Gangsters na Lua (Moon Zero Two, Inglaterra, 1969)

Um western ambientado no espaço sideral, mais precisamente na nossa Lua, com tiroteios e brigas típicas desse subgênero do cinema. Essa é a ideia básica de “Gangsters na Lua”, o único filme com história futurística da produtora inglesa “Hammer”, mais conhecida por seus filmes coloridos góticos, evidenciando o vermelho vivo do sangue, e pela revitalização dos antigos monstros clássicos da produtora americana “Universal”. Só que, ao invés de vampiros, lobisomens, múmias e a criatura de Frankenstein, temos foguetes e naves espaciais, uma cidade lunar, asteroides e equipamentos tecnológicos de 2021, ano em que se passa a história e que segundo o roteiro as viagens para planetas como Marte e Vênus já são regulares.

A direção é de Roy Ward Baker, que tem outros trabalhos na “Hammer” como “Uma Sepultura Para a Eternidade” (1967), “Os Vampiros Amantes” e “O Conde Drácula” (ambos de 1970), entre outros. O elenco é liderado pelo experiente ator americano James Olson, rosto conhecido por participações em várias séries de TV e pelo filme de FC “O Enigma de Andrômeda” (1971).

Num futuro próximo, a humanidade colonizou a Lua e construiu uma cidade. Lá também existem regiões disponibilizadas para mineiros explorarem os recursos naturais. Nesse cenário de um ambiente sem oxigênio nem vegetação e onde em metade do mês não há luz solar, um ex-astronauta e agora especialista em resgate de satélites, Capitão William H. Kemp (James Olson), juntamente com seu parceiro, o Engenheiro Korminski (Ori Levi), se envolvem com um grupo de gangsters. Os criminosos são liderados pelo milionário excêntrico J. J. Hubbard (Warren Mitchell) e entre os capangas ainda temos o Sr. Whitsun (Dudley Foster) e o brutamontes Harry (Bernard Bresslaw). Eles contratam os serviços da dupla para resgatar um asteroide no espaço, rico em safira, um minério valioso, e escondê-lo numa região remota da Lua. O local escolhido é uma mina na face oculta, de propriedade do irmão da bela jovem Clementine Taplin (Catherine Schell). Porém, a mulher está procurando justamente a ajuda do Capitão Kemp para encontrar o irmão desaparecido, iniciando um conflito de interesses entre todos e envolvendo uma investigação policial da responsável pela lei na Lua, a bela Elizabeth Murph (Adrienne Corri).

“Gangsters na Lua” é uma daquelas bagaceiras divertidas com história exagerada, um “western espacial” sem compromisso com a lógica, com direito a tiroteios bizarros e dançarinas de salão com roupas coloridas e penteados extravagantes. Os efeitos especiais são toscos e divertidos, com maquetes de naves e bases lunares, com os atores pendurados por cabos simulando movimentos no espaço. Entre as várias curiosidades, podemos citar a presença do eterno ator coadjuvantes dos filmes da “Hammer”, Michael Ripper, que não poderia ficar de fora e tem uma participação rápida como um jogador de cartas que está se divertindo no bar lunar. Outra curiosidade interessante é o monumento localizado onde o astronauta americano Neil Armstrong pisou pela primeira vez na Lua, numa homenagem para esse feito histórico da humanidade e que ocorreu poucos meses antes do lançamento do filme em 1969. E a abertura do filme com uma animação descontraída onde é mostrada a disputa entre os Estados Unidos e a antiga União Soviética pela conquista da Lua, satirizando a corrida espacial que agitou com muita intensidade e tensão o mundo no final dos anos 60 do século passado.

(RR – 12/11/15)

O Massacre da Serra Elétrica (The Texas Chainsaw Massacre, EUA, 1974)

“O filme que verão é baseado na tragédia que assolou um grupo de cinco jovens, especialmente Sally Hardesty e seu irmão inválido Franklin. Foi mais trágico devido ao fato de serem jovens. Mas, se eles tivessem vivido muito, muito longas vidas, jamais teriam esperado ou desejado ter visto a loucura e o macabro que viram naquele dia. Para eles, um passeio de carro num verão à tarde tornou-se um pesadelo. Os acontecimentos daquele dia guiaram o descobrimento de um dos mais bizarros crimes nos anais da história norte americana, O Massacre da Serra Elétrica”.

           Com essa introdução narrada por John Larroquette, alertando o espectador dos terríveis eventos que viriam a seguir, tem início um dos filmes mais insanos da história do cinema de horror. Não poderia ser melhor ou mais apropriada a definição de perturbador para “O Massacre da Serra Elétrica”, filme de baixo orçamento dirigido de forma independente em 16 mm por Tobe Hooper em 1974. Principalmente por evidenciar vários motivos esclarecedores para a escolha de tal adjetivo. Basta citar algumas cenas grotescas como um psicopata demente pendurar uma jovem viva e aterrorizada num gancho como se fosse um animal a ser abatido num matadouro; ou a violência crua do assassinato de um jovem através do golpe de uma pesada marreta em sua cabeça, com seu corpo se debatendo em horríveis espasmos do sistema nervoso, seguindo o mesmo método brutal com que se abate um boi ou porco; ou ainda o momento em que outro jovem paraplégico em uma cadeira de rodas é surpreendido pelo maníaco e retalhado através da ação devastadora, sangrenta e altamente dolorosa de uma moto-serra.

            É verdade que cenas como essas, ou muito piores ainda, foram exploradas à exaustão em uma infinidade de filmes produzidos posteriormente, tendo o auxílio do crescente desenvolvimento dos efeitos especiais que conseguiram simular situações muito próximas da realidade, obtendo-se verdadeiros espetáculos “splatter” de carnificinas. Porém, duas questões devem ser expostas e analisadas. Primeiro, é o fato de “O Massacre da Serra Elétrica” ter sido produzido no distante ano de 1974, numa época com menos violência no cinema (tanto que o filme chocou fortemente o público e sua exibição permaneceu proibida por vários anos em muitos países, inclusive o Brasil). Segundo, porque o verdadeiro horror é justamente aquele onde não há o exagero de se mostrar sangue e vísceras explicitamente, funcionando muito melhor em situações sugeridas, intensificando o medo no espectador. E o filme mostra uma violência grotesca sem no entanto apelar para a exibição de sangue em excesso, investindo mais na incrível insanidade de uma família depravada canibal, desprovida de humanidade.

           A história é sobre um grupo de cinco jovens, sendo dois casais formados por Sally Hardesty (Marilyn Burns) e seu namorado Jerry (Allen Danziger), e Pam (Teri McMinn) e Kirk (William Vail), além do irmão inválido de Sally, Franklin Hardesty (Paul A. Partain). Eles decidem fazer uma visita à antiga casa, agora abandonada, onde Sally e Franklin viveram a infância, numa pequena cidade do interior do Texas. E também eles queriam verificar no cemitério local se não havia violação do túmulo de seus ancestrais, pois haviam recebido notícias sobre saqueamentos e profanações das tumbas. Eles embarcam numa van e percorrem uma estrada onde dão carona a um misterioso homem, “Hitchhiker” (Edwin Neal), que mostra-se perigoso e imprevisível. Porém, o pior ainda estava por vir quando são surpreendidos e atacados por uma família sádica de necrófilos formada, além de “Hitchhiker” (Caronista), também por seus dois irmãos, “Old Man” (Jim Siedow), um gourmet lunático e “Leatherface” ou “Rosto de Couro” (Gunnar Hansen), um gigante deficiente mental que usa uma máscara formada por retalhos de pele humana retirados de suas vítimas. Eles ainda mantém vivo seu avô “Grandfather” (John Duggan), um velho meio zumbi e inofensivo, que é alimentado com sangue humano.

O diretor Tobe Hooper teve seu nome eternamente associado ao filme, que aliás, foi seu primeiro trabalho no gênero horror. Nascido em 1943 em Austin, Texas, sua carreira a partir de então foi marcada pela instabilidade, alternando entre filmes ótimos e interessantes e também medíocres e descartáveis. Seu nome é muito lembrado por dirigir o divertido “Poltergeist, o Fenômeno” em 1982, escrito e produzido pelo popular Steven Spielberg, e outros filmes importantes em sua filmografia de destaque são “Eaten Alive” (1976), “Salem’s Lot” (1979), “Pague Para Entrar, Reze Para Sair” (The Funhouse, 1981) e “Força Sinistra” (Lifeforce, 1985). E o mais incrível é que Hooper dirigiu “O Massacre da Serra Elétrica 2” em 1986 e conseguiu “destruir” toda a essência e atmosfera de um horror perturbador que ele próprio criou e que envolveu o filme de 1974, fazendo agora uma mistura de horror explícito, sangue em profusão e vísceras expostas, com elementos de comédia num resultado insatisfatório, onde prevalece apenas um bom trabalho com os efeitos especiais.

Com roteiro escrito pela dupla Tobe Hooper e Kim Henkel, “O Massacre da Serra Elétrica” teve inspiração no famoso “serial killer” Ed Gein para criar a família canibal e principalmente o psicopata demente “Leatherface”. Gein foi um assassino que aterrorizou a pequena cidade de Plainfield, Winsconsin, durante a década de 1950, matando várias pessoas brutalmente e utilizando suas peles e ossos para uma coleção particular de objetos bizarros. Outros filmes também utilizaram o caso do conhecido psicopata para compor parte de seus argumentos como o clássico “Psicose” (1960), dirigido pelo mestre do suspense Alfred Hitchcock, além de “Deranged” (1974), e o moderno “O Silêncio dos Inocentes” (1991), de Jonathan Demme e com Anthony Hopkins. Ainda teve outro filme baseado inteiramente na vida do assassino intitulado “Ed Gein”, lançado em 2001.

O elenco é formado por nomes desconhecidos e a maioria não teve continuidade notória em suas carreiras, acabando por ficarem eternizados no gênero por seus envolvimentos com o “O Massacre da Serra Elétrica”. O grandalhão ator Gunnar Hansen nasceu em Reykjavik, Islândia, em 1956, e ficou para sempre como o primeiro e original “Leatherface”. Marilyn Burns também nasceu em 1956, só que é americana de Cleveland, Ohio. Chamada por Hooper, participou também de “Eaten Alive” e da produção para a TV “Helter Skelter” (1976), baseado na vida do assassino Charles Manson. Ela teve também uma pequena ponta como uma homenagem em “O Retorno do Massacre da Serra Elétrica”, quarta parte da série, filmada em 1994. Curiosamente, tanto Marilyn Burns quanto seu colega de elenco Edwin Neal (que interpretou “Hitchhiker”) estiveram também juntos num filme obscuro lançado em 1985 chamado “Future-Kill”, dirigido por Ronald W. Moore, e cuja história mostra os confrontos mortais entre grupos rivais de rebeldes numa cidade futurista tomada pela anarquia.

Comparado com dezenas de outras boas produções realizadas posteriormente, o filme de Tobe Hooper realmente tem um ritmo mais lento, com menos ação e principalmente pouca exibição gratuita de “sangue”. Mas “O Massacre da Serra Elétrica” é o filme que introduziu no cinema o psicopata “Leatherface”, o qual está figurando agora na galeria dos imortais monstros modernos ao lado de Michael Myers (“Halloween”), Jason Voorhees (“Sexta-Feira 13”) e Freddy Krueger (“A Hora do Pesadelo”), e o filme inegavelmente possui cenas perturbadoras, de uma violência crua e brutal.

Vários são os destaques dessa preciosidade do cinema fantástico. A abertura com uma seqüência de flashes macabros destacando pedaços de cadáveres decompostos e profanados num cemitério. O desfecho com “Leatherface” furioso dançando como um verdadeiro maníaco, fazendo acrobacias com sua feroz moto-serra rasgando o ar em movimentos bruscos. E principalmente a perseguição insana onde “Leatherface” corre à noite numa floresta atrás da jovem Sally Hardesty com sua moto-serra zunindo e sedento para destroçar o corpo da mulher. A cena demora tanto tempo, em vários intermináveis minutos, que praticamente nos obriga a torcer para que ela seja logo capturada e termine assim a agonia e tortura no espectador de tanta correria e gritos alucinados de puro desespero. É totalmente compreensível que a personagem corra por sua vida e grite de forma selvagem, pois afinal ela está sendo perseguida por um demente que pretende esquartejar seu corpo e fazê-la sentir a terrível dor de uma serra cortando sua carne e músculos, jorrando seu sangue em profusão para todos os lados, numa morte torturante e coberta de um grau tão elevado de violência que torna-se difícil imaginar a intensidade da dor.

“O Massacre da Serra Elétrica” foi lançado em DVD no Brasil com preço popular e distribuição em banca de jornais, encartado na revista “DVD News” número 38 (Abril de 2003), da “Editora NBO”, e é interessante notar que a revista não fez nenhum comentário sobre o filme, sem publicar algum artigo ou qualquer citação mínima, mostrando um evidente descaso com o filme. O material extra do DVD inclui “cenas não aproveitadas”, “trailer de cinema”, “erros de filmagens”, “notas de produção”, “galerias de fotos”, “posters promocionais”, “sinopse” e “biografias do elenco”, porém tudo muito superficial e sem grandes atrativos.

Em vídeo VHS, o filme original foi lançado duas vezes no Brasil, a primeira pela “Europa Home Vídeo” e depois pela “Reserva Especial Vídeo”, e ambas as versões são raridades atualmente.

Passou-se doze anos e esse grande clássico do cinema de horror inevitavelmente deu origem a uma franquia composta por vários filmes descartáveis e desnecessários, imensamente inferiores ao precursor da série. Foram mais três continuações, “O Massacre da Serra Elétrica 2” (1986), também de Tobe Hooper, “Leatherface: O Massacre da Serra Elétrica 3” (1990), de Jeff Burr, e “O Retorno do Massacre da Serra Elétrica” (1994), de Kim Henkel, um dos roteiristas do filme original. Todos os três foram lançados em vídeo VHS no Brasil.

Em 1988 foi produzido um filme bizarro lançado aqui no Brasil em vídeo VHS pela “AB Vídeo” com o nome de “O Massacre da Serra Elétrica 3” (Hollywood Chainsaw Hookers), de Fred Olen Ray, com o ator que interpretou o “Leatherface” no original, Gunnar Hansen. Porém, o filme nada tem a ver com o clássico de Hooper e teve o título nacional escolhido de forma totalmente equivocada, confundindo os fãs brasileiros e demonstrando o péssimo tratamento que os filmes de horror recebem ao chegar no país, numa incompetência que incomoda.

E como os executivos da indústria de cinema americano, incluindo os roteiristas de plantão, estão com uma incrível escassez de ideias (ou melhor, uma vergonhosa falta de vontade de criação), no final de 2003 foi lançada nos Estados Unidos uma refilmagem do filme de 1974 (no Brasil, somente chegou aos nossos cinemas no final de Fevereiro de 2005, e que teve uma continuação lançada em 2006 diretamente no mercado de vídeo, sendo na verdade uma pré-seqüência, apresentando eventos anteriores, dirigida por Jonathan Liebesman). A nova versão de “O Massacre da Serra Elétrica” tem direção de Marcus Nispel, roteiro de Scott Kosar e traz no elenco a bela Jessica Biel como a mocinha que grita histericamente, e Andrew Bryniarski no papel do psicopata “Leatherface” (cujo personagem, depois de Gunnar Hansen, passou a ser maltratado por Bill Johnson, R. A. Mihailoff e Robert Jacks nos filmes seguintes).

Depois, em 2013, ainda veio mais um filme, dessa vez aproveitando a popularidade das exibições em 3D, “O Massacre da Serra Elétrica 3D – A Lenda Continua” (Texas Chainsaw 3D), com a história se iniciando com uma continuação exata de onde termina o clássico dos anos 70. Após a família canibal de “Leatherface” ser dizimada num incêndio criminoso, as ações passam para muitos anos à frente onde uma garota, Heather Miller (Alexandra Daddario), recebe uma notificação informando que herdou uma casa numa região rural no Texas. Ela parte então para lá acompanhada de alguns amigos, não imaginando os horrores que a aguardavam obrigando-a a lutar pela vida. Tem sangue e cenas violentas, mas, é só isso, pois o roteiro é ruim e cheio de falhas, não conseguindo estabelecer aquele clima sombrio tão evidente no filme original.

                A franquia em torno de “O Massacre da Serra Elétrica” ainda inclui um vídeo game lançado em 1983 e dois documentários produzidos diretamente para o vídeo. “The Texas Chainsaw Massacre: A Family Portrait” (1988) foi dirigido e escrito por Brad Shellady, trazendo depoimentos dos atores do filme original, entre eles Gunnar Hansen, Edwin Neal, John Duggan e Jim Siedow, além da presença do famoso colecionador Forrest J. Ackerman, editor da revista “Famous Monsters of Filmland”. E o documentário inglês com cenas de bastidores “The Texas Chainsaw Massacre: The Shocking Truth” (2000), com direção e roteiro de David Gregory, narração de Matthew Bell e com a participação de vários nomes envolvidos com os filmes como Tobe Hooper, Kim Henkel, Marilyn Burns, Gunnar Hansen, Paul A. Partain e Edwin Neal.

Algumas informações interessantes e que servem como curiosidade em torno de “O Massacre da Serra Elétrica” são por exemplo o valor do orçamento do filme ser de apenas US$ 140 mil (e atualmente essa cifra é inexpressiva, com os valores girando em torno de dezenas de milhões de dólares). O mais incrível é ainda o faturamento obtido nas bilheterias, algo como US$ 40 milhões, ou seja, quase trezentas vezes o valor investido, comprovando seu inegável sucesso e alta lucratividade. As filmagens ocorreram em “Austin”, uma pequena cidade do Texas onde nasceu o diretor Tobe Hooper. A atriz Marilyn Burns foi uma das primeiras e mais autênticas “scream queen” do cinema, gritando histericamente a maior parte do tempo, fugindo da lâmina cortante de uma moto-serra. O cineasta Hooper foi muito convincente ao filmar as expressões faciais do mais puro horror da personagem Sally, focalizando um perturbador enquadramento de seus olhos desesperados e de sua boca escancarada gritando por socorro. Esse recurso foi muito utilizado em vários filmes seguintes, sempre obtendo bons resultados. O psicopata “Leatherface” aparece pela primeira vez no filme apenas após 35 minutos, e imediatamente ele coloca sua marreta e moto-serra em ação, protagonizando um tormento que seguiria até o fim do filme. Imaginem se ele aparece desde o início... No primeiro filme da franquia ele é claramente um retardado mental, que parece agir por impulso e descontrole matando sem plena consciência do que está fazendo, quase como uma vítima do próprio ambiente depravado em que vive. Porém, nos filmes seguintes o psicopata mudou suas características tornando-se um “serial killer” consciente e que planeja suas ações assassinas. O personagem “Old Man” da família canibal, recebeu o nome de “Cook” (Cozinheiro) na continuação de 1986, e foi interpretado pelo mesmo ator Jim Siedow nos dois filmes. Aliás, nessa mesma sequência a família de insanos recebeu mais um membro, “Chop Top” (Bill Moseley), o irmão gêmeo de “Hitchhiker” que estava num sanatório, e os efeitos de maquiagem ficaram a cargo do especialista Tom Savini, largamente conhecido por seus trabalhos em filmes como “Sexta-Feira 13” (1980) e “Dia dos Mortos” (1985).

Um último detalhe que merece registro é um grande equívoco cometido pelos responsáveis em nomear os filmes que chegam ao Brasil. O correto e ideal seria traduzir o original para algo como “O Massacre da Moto-Serra no Texas”, pois o instrumento utilizado por “Leatherface” para retalhar suas vítimas parece ser uma moto-serra movida por combustível líquido e não elétrica como sugere o título nacional escolhido. E curiosamente o nome original estava previsto para ser “Leatherface” ou “Headcheese”, e somente perto do lançamento do filme é que foi escolhido o título definitivo de “The Texas Chainsaw Massacre”. Quando eu assisti pela primeira vez em 1987, através daquelas chamadas fitas de vídeo “alternativas” que infestavam as locadoras ainda carentes de lançamentos oficiais no mercado brasileiro, o nome que foi dado ao filme foi “Chacina e Massacre no Texas”.

Enfim, um filme indispensável que costuma freqüentar qualquer lista de “TOP 10” promovida por especialistas e fãs do cinema de horror, e certamente o filme se destaca na minha lista pessoal de preferências.

O Massacre da Serra Elétrica (The Texas Chainsaw Massacre, Estados Unidos, 1974). Vortex. Duração: 82 minutos. Direção de Tobe Hooper. Roteiro de Kin Henkel e Tobe Hooper. Produção de Kim Henkel, Tobe Hooper, Jay Parsley, Lou Peraino e Richard Saenz. Fotografia de Daniel Pearl. Música de Wayne Bell e Tobe Hooper. Direção de Arte de Robert A. Burns. Edição de Larry Carroll e Sallye Richardson. Elenco: Marilyn Burns (Sally Hardesty), Allen Danziger (Jerry), Paul A. Partain (Franklin Hardesty), William Vail (Kirk), Teri McMinn (Pam), Edwin Neal (Hitchhicker), Jim Siedow (Old Man), Gunnar Hansen (Leatherface), John Duggan (Grandfather), Robert Courtin, William Creamer, John Henry Faulk, Jerry Green, Ed Guinn, Joe Bill Hogan, Perry Lorenz, John Larroquette (narrador da introdução).

(Juvenatrix - 23/12/2005)

A Hora das Criaturas (Critters, EUA, 1986)

Em meados dos anos 80 do século passado, surgiu uma moda aqui no Brasil em chamar os filmes de horror e ficção científica que chegavam por aqui com o início “A Hora...”. E aí vieram “A Hora do Espanto” (vampiros), “A Hora do Lobisomem”, “A Hora dos Mortos-Vivos” (Re-Animator), “A Hora do Pesadelo” (Freddy Krueger), “A Hora da Zona Morta” (outra história de Stephen King), “A Hora do Calafrio” (o slasher “Savage Weekend”), etc. Teve também “A Hora das Criaturas” (1986), trabalho de estreia do cineasta Stephen Herek e que até virou franquia com mais outros três filmes (continuações em 1988, 91 e 92).

Na história, algumas pequenas criaturas peludas de uma raça alienígena com dentes pontiagudos, que soltam espinhos pelas costas e se movimentam rolando como bolas, fogem de uma prisão num asteroide, roubando uma nave estelar em direção ao nosso planeta. Eles aterrissam na área rural de uma pequena cidade americana e são perseguidos por dois caçadores de recompensas que possuem cabeças verdes sem feições, e que podem copiar o rosto de qualquer ser humano. Os alienígenas adoram fazer arruaças e comer descontroladamente, e decidem atacar a casa da fazenda da família Brown, formada pelo pai e mecânico de carros Jay (Billy Green Bush), a mãe Helen (a agora veterana e experiente Dee Wallace Stone, que esteve em “Quadrilha de Sádicos”, “Grito de Horror”, “E.T. – O Extraterrestre” e “Cujo”), e o casal de filhos adolescentes, April (Nadine Van Der Velde) e Brad (Scott Grimes). Ainda tem o mecânico ajudante Charlie McFadden (Don Opper), que gosta de ficar bêbado e falar sobre suas premonições com a chegada de alienígenas na Terra. Todos eles terão que lutar contra o ataque das criaturas do espaço e precisarão contar com a ajuda dos estranhos caçadores de recompensas para eliminar a ameaça.    

“A Hora das Criaturas” foi produzido pela “New Line” e também é conhecido no Brasil apenas como “Criaturas”. É uma pequena pérola do cinema fantástico bagaceiro da divertida década de 1980. Uma época sem a artificialidade da computação gráfica, que está sendo usada em exagero nos dias atuais, eliminando parte da magia que o cinema sempre teve com o horror gráfico de sangue falso e bonecos animatrônicos que simulavam monstros movimentados por complexos sistemas com a combinação de mecânica, pneumática, hidráulica e eletrônica.

O filme tem elementos de humor negro, tanto que é normalmente considerado como horror e comédia, e as criaturas alienígenas são extremamente carismáticas, mesmo sendo ameaçadoras e perigosas em ataques violentos contra animais e humanos. 

Curiosamente, os bichos alienígenas de “Critters” possuem grande semelhança conceitual e de forma proposital com as criaturas de “Gremlins” (1984), que já fazem parte da cultura popular. Outra curiosidade é a presença de um ainda jovem Billy Zane (que interpretou Steve Elliot, o namorado da garota April), em um de seus primeiros trabalhos de uma carreira bem sucedida posteriormente, com participações em filmes famosos como “Titanic” (1997). E também do veterano M. Emmet Walsh (que fez o papel de Harv, o xerife bonachão da cidadezinha), um rosto conhecido por seu imenso currículo com mais de 200 créditos. 

(Juvenatrix - 03/11/15)

O fantasma do apito, Miguel Carqueija

O fantasma do apito, Miguel Carqueija. 118 páginas. Apresentação de Marcello Simão Branco. Coleção Scarium Fantástica, volume 2. Edições Scarium, Rio de Janeiro, 2007.

Debaixo de chuva, três garotas se encontram na porta da escola aonde vão estudar. Elas nunca se viram antes, mas a breve viagem numa espécie de teleférico que leva à porta da escola desperta entre elas uma cumplicidade que será seu principal apoio nestes primeiros dias de aula. Isso porque, mal desembarcam no saguão, são acuadas pelo bedel que é extremamente rude com as estudantes. Tudo porque algum espertinho soprou um apito estridente na densa floresta que circunda a escola e ele acredita que foi uma entre as novas alunas.
Depois da má recepção, as garotas são acomodadas num mesmo quarto e passam a se conhecer melhor. Na hora da refeição, acabam se indispondo com um estudante por causa de uma sopa de tomates, sem maiores repercussões. Porém, durante a noite, o estudante é assassinado e, mais uma vez, a suspeita recai sobre as garotas.
Apesar da animosidade explícita da diretora da escola, as meninas são defendidas pela investigadora de polícia que acompanha o caso. Mais tarde, ela vai revelar ser clarividente e que reconheceu a inocência das meninas, especialmente o potencial de clarividência de uma delas.
Mas os problemas não terminam. Outros assassinatos acontecem, sempre fazendo acreditar que as garotas estão, de alguma forma, envolvidas. Mais policiais entram em cena e a pressão sobre elas fica cada vez maior. Somente as próprias meninas podem resolver o mistério do apito, que tudo indica ser um aviso do assassino antes de cometer os crimes. Um assassino acima de qualquer suspeita.
Esta é a história da novela O fantasma do apito, de autoria do escritor Miguel Carqueija, volume 2 da Coleção Scarium Fantástica.
Seguindo a característica que tem dominado seus trabalhos, o autor investe em protagonistas femininas para contar uma história de coragem e amizade no meio de um cenário antagônico e lúgubre. Fica clara a influência da série Harry Potter neste trabalho, que procura sustentar o mesmo clima gótico daquela série. Isso exigiu que o autor reinventasse a realidade, instalando a trama numa alternativa em que a história do Brasil caminhou de forma diferente. Apesar de recursos modernos e detalhes tecnológicos próprios do nosso tempo, predominam cenografias do castelo decadente onde a escola se instala, com ambientes escuros e passagens secretas empoeiradas, truques de magia, carruagens, dirigíveis etc.
No aspecto estrutural, a história tem um objetivo claramente infantojuvenil. O vilão, bem como o detetive Anselmo (personagem que cumpre um contraponto cômico) cumprem bem seus papéis esquemáticos apesar de um tanto estereotipados, especialmente o vilão, mas a impressão final é que isso foi um truquezinho do autor para emular o realismo farsesco das histórias em quadrinhos.
Sobre as protagonistas, o autor não se aproveitou bem do fato de ter três pessoas independentes. Em muitos aspectos, as meninas se parecem demasiadamente, falam da mesma maneira e pensam de modo similar. É impossível reconhecê-las apenas pelos diálogos e, ao final de história, ainda não conseguimos identificá-las claramente, mas isso pode ser superado nas sequências da história, uma vez que o autor divulga que voltará ao universo de O fantasma do apito desenvolvendo mais detalhadamente a estrutura histórica alternativa do mesmo.*
O volume tem a apresentação de Marcello Simão Branco, que sintetiza brilhantemente o trabalho no trecho reproduzido a seguir:

“Neste novo trabalho ficcional, Carqueija demonstra desenvoltura com a construção do enredo – que se situa entre o suspense e o sobrenatural –, com a criação e aprofundamento das personagens e com o desenrolar da trama. Cheia de reviravoltas e surpresas que prendem o leitor a cada fim de capítulo, no mais tradicional e eficiente recurso do folhetim.”

Branco ainda faz um breve apanhado da carreira do autor e eu aproveito para lembrar os seus livros mais recentes: A âncora dos argonautas (Coleção Fantástica, Hiperespaço, 1999), A Esfinge Negra (Nova Coleção Fantástica, Hiperespaço, 2003), As luzes de Alice (Hiperespaço, 2004) e A face oculta da galáxia (Editora Casa da Cultura, 2006).
Carqueija é um escritor voluptuoso, que produz em quantidade e participa com frequência das publicações e editoras dispostas a receber colaborações, sem qualquer preconceito. Embora suas últimas histórias sejam todas mais ou menos do mesmo tipo – aventuras na linha infanto juvenil com protagonistas femininas envolvidas em eventos de magnitude muito além delas mesmas, que sobrevivem aos percalços por graça da sua integridade destemida – atestam um amadurecimento estilístico que qualifica o autor alguns degraus acima dos muitos contos que publicou nos fanzines brasileiros ao longo dos últimos 30 anos.
A boa recepção dos textos de Miguel Carqueija em vários públicos, certamente é um facilitador quando se trata de convencer um editor a investir nos seus livros mas, mesmo assim, ainda lhe falta um livro por editora comercial, com grande tiragem e bem distribuído. Não tenho dúvidas que entre os muitos autores de fc&f atuantes no ambiente dos fãs, Carqueija é aquele que reúne as melhores condições para conquistar bons resultados comerciais no mercado editorial. Só lhe falta um editor que também perceba isso.**

— Cesar Silva 

* A sequência da história apareceu em 2009 com a novela Tempo das caçadoras (Scarium).

** Como não podia deixar de ser, Miguel Carqueija passou os últimos anos em plena produção autoral e editorial, conquistando a publicação de dois romances de grande porte: Farei o meu destino (Giz, 2008) e O estigma do Feiticeiro Negro, com Melanie Evarino (Ornitorrinco, 2012).

Espantalho Assassino (Scarecrow, EUA / Canadá, 2013)

Mais um representante do cinema fantástico bagaceiro do início do século XXI, “Espantalho Assassino” é uma produção em parceria entre Canadá e Estados Unidos, feita para a televisão, e exibida regularmente no canal “SyFy”. A direção é de Sheldon Wilson, que tem o interessante “Terra Rasa” (Shallow Ground, 2004) no currículo.

O professor Aaron Harris (Robin Dunne) reúne um grupo de estudantes para cumprir uma tarefa punitiva, visitando uma antiga fazenda abandonada para recolher os restos de um espantalho num campo de milho, o qual seria reaproveitado para a realização de um tradicional festival de espantalhos numa pequena cidade. A fazenda é de propriedade da família de Kristen (Lacey Chabert), ex-namorada do professor, e é conhecida por histórias de assombração com uma lenda de um espantalho sobrenatural que se alimenta do sangue de suas vítimas. Quando o grupo de estudantes chega ao local, logo descobre que o horror é real e eles precisam lutar por suas vidas contra os ataques violentos de uma entidade maligna que habita as plantações.

A ideia básica do filme é um imenso clichê, pois os espantalhos já foram excessivamente explorados pelo cinema de horror, devido suas características típicas de criaturas assustadoras. Eles são confeccionados justamente com esse objetivo, impedir que animais, principalmente pássaros, destruam plantações nas fazendas. E no caso específico desse “Espantalho Assassino”, que apresenta um monstro não humano sedento de sangue, não há novidades, apenas mais do mesmo, numa história forçada e claramente manipulada para facilitar o trabalho preguiçoso do roteirista Rick Suvalle. O grupo de estudantes patéticos existe apenas e exclusivamente para servir de alimento para o espantalho sobrenatural.

São correrias, gritarias, perseguições e um desfile de futilidades que não agregam na tentativa dos realizadores em despertar a atenção do espectador. Além do uso exagerado de CGI vagabundo na concepção da criatura, tornando-a artificial demais e eliminando qualquer eventual carga dramática que existiria se fosse um espantalho interpretado por um ator de carne e osso fantasiado. 

Talvez as únicas coisas que possam se salvar e até divertir um pouco os menos exigentes, sejam as várias cenas sangrentas com mortes violentas repletas de feridas e escoriações profundas, com razoáveis doses de sangue escorrido. No mais, é apenas outro filme convencional dentro do tema e condenado ao esquecimento. Um filme com espantalhos assassinos que é bem mais interessante e recomendado é “A Maldição dos Espantalhos” (Scarecrows, 1988), que também é conhecido por aqui como “Espantalhos”, lançado em VHS, numa saudosa época sem a artificialidade da computação gráfica.

(Juvenatrix – 01/11/15)

Experiência Diabólica / O Cérebro Maligno (Donovan´s Brain, EUA, 1953)

Com direção e roteiro de Felix E. Feist, fotografia em preto e branco e história baseada no conto “O Cérebro de Donovan”, escrita em 1942 pelo alemão Curt Siodmak, “Experiência Diabólica” é mais uma daquelas preciosidades do cinema fantástico dos anos 1950. Foi lançado em DVD no Brasil com o título alternativo de “O Cérebro Maligno” e o conto de Siodmak já havia sido filmado antes em 1944 com “A Dama e o Monstro”, além de outra versão em 1962 com o nome “The Brain”.

Na história, temos o tradicional “cientista louco” que acredita que suas ações são bem intencionadas, sempre envolvidas em experiências sinistras para ajudar a humanidade. Nesse caso o papel ficou para o Dr. Patrick J. Cory (Lew Ayres), que é auxiliado pelo também médico Dr. Frank Schratt (Gene Evans), que aprecia consumir bebidas alcoólicas em excesso, e ambos contam com a ajuda da enfermeira Janice Cory, esposa do cientista. A personagem foi interpretada pela atriz Nancy Reagan, creditada como Nancy Davis, e curiosamente ela foi casada com o ex-presidente americano Ronald Reagan, que também foi ator.

Eles trabalham com experiências para manter o cérebro ainda vivo de animais mortos, e utilizam macacos como cobaias. Porém, ocorre um acidente com um pequeno avião nas proximidades do laboratório e uma das vítimas é um famoso milionário, William H. Donovan, conhecido pelo envolvimento em negócios obscuros e sonegação de impostos. Ele é ferido gravemente no acidente e levado pela polícia para a casa do cientista, que não consegue salvar sua vida. Mas, a morte do milionário despertou a oportunidade da realização de uma “experiência diabólica” com a tentativa de manter seu cérebro vivo, semi mergulhado num tanque com uma solução de nutrientes e ativado com constantes impulsos elétricos. A experiência é bem sucedida, estimulando o cientista a tentar comunicação com o cérebro de Donovan. Só que eles não imaginariam as consequências desastrosas depois que o “cérebro maligno” consegue controlar telepaticamente o Dr. Cory, manipulando-o para continuar com seus negócios ilegais, eliminando todos que cruzassem seu caminho, como o fotógrafo sensacionalista Herbie Yocum (Steve Brodie), que descobriu a experiência e utilizava-se de chantagem para lucrar com a história.

“Experiência Diabólica” é um típico filme com orçamento menor do cinema fantástico bagaceiro dos anos 50 do século passado, explorando uma história exagerada na fantasia e que diverte justamente por essa fuga da realidade. Um cientista obcecado por seu trabalho, que coloca de lado a vida social para estudar a possibilidade de um cérebro humano manter-se vivo, mesmo após a morte de seu corpo, e ainda podendo comunicar-se por telepatia. E claro, as consequências dessa ideia extravagante seriam catastróficas pelo fato do cérebro pertencer a um homem sem escrúpulos e envolvido numa série de atos desonestos que geraram sua fortuna.

Os desfechos da maioria dos filmes com temáticas semelhantes produzidos nesse período geralmente são parecidos e positivos, com a ameaça sendo detida e a tensão turbulenta eliminada, dando espaço para a esperança de dias melhores. Então não é “spoiler” revelar que em “Experiência Diabólica” o mesmo novamente acontece, e nesse caso seria interessante e intrigante imaginar como seriam as coisas se o caos prevalecesse e o “cérebro maligno” conseguisse manter-se vivo e controlando a mente das pessoas.

(Juvenatrix – 31/10/15)

Páginas do Futuro, Braulio Tavares

Páginas do Futuro: Contos Brasileiros de Ficção Científica, Braulio Tavares, organização e apresentação. 156 páginas. Capa e ilustrações de Romero Cavalcanti. Rio de Janeiro: Casa da Palavra, 2011.

Esta antologia era aguardada há alguns anos, mas não deixou de surpreender ao ser lançada na virada de 2011 para 2012. O escritor Braulio Tavares, um dos nomes mais importantes da ficção científica brasileira, tem consolidado uma carreira de antologista tão notável quando a do escritor talentoso que despontou no fim da década de 1980, ainda no ambiente do fandom.

Nestes primeiros anos do século xxi, Tavares tem coordenado a coleção “Contos Fantásticos”, pela editora carioca Casa da Palavra. Em 2003, lançou Páginas de Sombra Contos Fantásticos Brasileiros, e em 2005 e 2007, organizou respectivamente duas ótimas antologias internacionais voltadas a duas personalidades próximas ao fantástico: Contos Fantásticos no Labirinto de Borges e Freud e o Estranho: Contos Fantásticos do Inconsciente. Já em 2009, no contexto comemorativo do bicentenário de nascimento do mestre americano do horror, apresentou a antologia Contos Obscuros de Edgar Allan Poe.

Páginas do Futuro: Contos Brasileiros de Ficção Científica é, portanto, a sexta antologia da série e demarca uma proposta formativa dentro da literatura brasileira que procura o diálogo entre a literatura de gênero e o chamado mainstream literário. Como disse, era aguardada há anos pelos fãs e críticos da fc brasileira. Mas, ao que parece, chegou no melhor momento, depois de uma certa maturação dentro da própria coleção e no contexto intelectual do mainstream, mais favorável nestes anos recentes a uma maior abertura para a ficção científica e gêneros afins.

Tanto é assim que a esta antologia somam-se outras que vem sendo organizadas com perfil de informação e formação semelhante, a série “Melhores Contos Brasileiros de Ficção Científica”, iniciativa do escritor Roberto de Sousa Causo junto a Devir Livraria.[1]  Mas se em Causo o aspecto histórico e mais próximo aos temas tradicionais da fc, em Tavares a proposta segue uma linha mais conceitual em termos de definição e panorama, ao apresentar para os não aficcionados uma espécie de arco de possibilidades, tanto em termos temáticos, como de estilo.

Nesse sentido, Páginas do Futuro apresenta uma sucinta mas robusta apresentação em que Tavares situa o gênero nos seus termos mais gerais, para em seguida voltar-se a uma profícua reflexão sobre as suas características no Brasil, além de suas possibilidades enquanto literatura que acrescente alguma coisa para além do ambiente restrito do fandom, como quando afirma:

[...] a fc brasileira não pode abrir mão de um conhecimento da fc internacional, sob o risco de deixar de ser fc, e não pode abrir mão de um conhecimento equivalente da literatura brasileira do nosso país, sob o risco de deixar de ser brasileira. (pág. 16).

Esta posição apresenta novidade em relação ao pensamento do autor em anos anteriores — quando ele era mais voltado à valorização literária do gênero, se posso colocar assim —, e chega num momento especialmente sensível da produção de fc no país, marcado por resultados ainda incertos de uma nova geração de autores surgidos neste início de século xxi. Um cenário com muitos títulos publicados por autores novos sem grande experiência e conhecimento literário, principalmente em termos de fc. É certo que o chamado à responsabilidade se dirige aos autores contemporâneos de Tavares, dos anos 1980 em diante, mas olhando o cenário de maneira geral, é mais do que necessário que os autores novos sejam incluídos dentro dessa perspectiva que dialoga tanto com os temas de fronteira da fc internacional, como com as tradições mais concretas da literatura nacional.

Coerente com essa proposta, a antologia apresenta uma dúzia de histórias bastante diversificadas, em termos históricos, temáticos e de estilo. Difícil mesmo puxar na memória uma antologia de alcance tão abrangente quanto esta, nesses três quesitos. Em certo sentido, Páginas do Futuro é quase que uma antologia de intervenção, ao conceituar, refletir e apresentar um leque de histórias que objetiva formar um debate sobre a ficção científica praticada no Brasil.

Não há, porém, um caráter didático ou prescritivo: o tom é leve e descontraído, com textos que antes de mais nada primam pelo bom gosto e pelo entretenimento provocativo, que procuram tirar o leitor do convencional, do lugar comum. Pode parecer óbvio esperar isso de uma antologia de ficção científica, mas nem sempre o processo de seleção realizado em antologias reflete plenamente este objetivo. O projeto gráfico já consagrado também contribui para o êxito final, com ótimas ilustrações de Romero Cavalcanti.

O leitor brasileiro sem grande intimidade com a fc, mas também o leitor assíduo que nem sempre olha com atenção para o gênero de próprio país, é apresentado a nomes que surpreendem, como Joaquim Manuel de Macedo e Rachel de Queiroz — esta com “Ma-Hôre” (1961), uma pequena joia de encontro com alienígena, de perspectiva tipicamente brasileira —, ou nomes conhecidos apenas no ambiente do fandom, como os contemporâneos Ataíde Tartari, Finisia Fideli e Fábio Fernandes; ou ainda nomes que se consagraram nos anos 1960 e servem de norte à evolução do gênero no país, como André Carneiro e Jerônymo Monteiro.

O livro inclui um conjunto de temas que explora concepções que, em certo sentido, contemplam uma visão do gênero em cada época. Por exemplo, no caso de uma abordagem mais ligeira ou irônica da ciência típica do início do início do século xx — como no divertido “O Inimigo Gaseificado, ou a Vingança do Sr. Concreto” (1923), de Oswald Beresford —, ou mais socialmente contestadoras e literariamente arrojadas, como no surpreendente (mas falho) texto de Ruben Fonseca, “O Quarto Selo (Fragmento)” (1967), ou no delirante “Vanessa von Chrysler” (1992), de Fausto Fawcett, um autor caótico que parece querer brigar sonoramente com as palavras.

Há também narrativas que apresentam prosas mais convencionais, mas com uma especulação mais segura e informada sobre a ficção científica em si, como no clássico “Exercícios de Silêncio” (1983), de Fideli, talvez a única história à lá Golden Age do livro, ou ainda no humanista “O Copo de Cristal” (1969), de Monteiro. Por outro lado, inversões da noção de realidade e exercícios temáticos que utilizam a própria estrutura narrativa estão bem representados no conto de André Carneiro e na obra-prima de Luiz Bras, “Déjà-vu” (2010), uma história candidata a clássica da nossa fc.

Mesmo bem amarrada em termos de proposta, a antologia entretanto, apresenta uma certa irregularidade, principalmente em termos de preferências temáticas. Poder-se-ia escolher outras histórias de perfis um pouco diferentes, mas isso depende do critério crítico de cada organizador e não tira o mérito destas escolhas específicas, pois para além da mera seleção em si, joga a favor esta proposta que procura formar e aproximar dois círculos literários ainda estranhos um ao outro: o do fandom de fc e o do mainstream literário. Não é apenas com Páginas do Futuro que este hiato será preenchido, mas trata-se sem dúvida uma das mais relevantes contribuições que poderiam ser realizadas. Que a sequência do trabalho de antologista de Braulio Tavares possa consolidar a aproximação destes dois mundos menos distantes do que parecem.

– Marcello Simão Branco

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[1] São elas: Os Melhores Contos Brasileiros de Ficção Científica (2007), Os Melhores Contos Brasileiros de Ficção Científica: Fronteiras (2009) e As Melhores Novelas Brasileiras de Ficção Científica (2011).